日本画とは「挑戦」の歴史そのもの。山梨県立美術館『日本画の挑戦者たち』で知る、変貌し続ける美の形

山梨県立美術館で開催されている「日本画の挑戦者たち」を訪れた。明治から昭和にかけての日本画家の作品を通じ、「日本画とは何か」という問いを深く考えさせられる企画展だった。

私が美術館巡りを始めたきっかけは、西洋絵画への興味だった。そのため、長い間、日本画に対しては「形式に則った表現」という先入観を抱いていた。

これまでの美術館巡りの中でも、東山魁夷や高山辰雄といった巨匠の大作を目にする機会はあった。しかし、その圧倒的な存在感を認めつつも、心のどこかで「あえて日本画という枠組みで表現する必要があるのだろうか」という疑問を拭いきれずにいた。

だが、今回の展覧会で、画家たちが伝統と時代の荒波にどう向き合ってきたかを知り、その認識を改めることとなった。日本画の魅力がわかりにくいのは、その「定義」そのものが抱える複雑さに理由があったのだ。

「日本画」という言葉は、明治以降に流入した西洋絵画（洋画）に対する「伝統的絵画」としての概念であると同時に、江戸時代までの大和絵などに対する「近代的表現」としての側面も持っている。

この二つの概念の間で、矛盾を抱えながらも独自性を追求してきたのが、近代日本画の歴史だ。

展覧会の構成を順に追っていくと、各時代の画家たちがこの定義の狭間でもがき、表現を模索してきた足跡が克明に伝わってくる。伝統技法への革新から始まり、西洋画の技法の取り込み、そして画材や技法の変化に伴うテーマの広がり。それはまさに、既存の枠組みを壊し続ける「挑戦者たち」の記録であった。

伝統を重んじつつも、新しい日本画を打ち立てようとした明治期の横山大観や菱田春草。彼らの作品は、掛け軸という形式や伝統的な画題を継承しながらも、西洋画とは決定的に異なる強烈な個性を放っている。

余白を活かしたシンプルかつ大胆な構図。そして、一見すると乏しいとさえ思える色彩から立ち上がる、深い詩情。圧倒的な技量で描かれた作品には、研ぎ澄まされた**「刃物」のような鋭さ**がある。

しかし、明治期にある種の完成を見てしまったがゆえに、その後の日本画はさらなる複雑さを求めていく。やがて作品は、鋭さよりも重厚さを増し、まるで**「鈍器」のような重み**を帯びていくように感じられた。

大正から昭和にかけての作品には、西洋画の影響が色濃く反映されている。川﨑小虎の作品にはアンリ・ルソーのような詩情が、三枝茂雄の作品にはジョルジュ・ルオーに通じる精神性が見て取れる。他にもルドン、モネ、ピカソといった西洋の巨匠たちの影が随所にうかがえた。

日本画を単なる「伝統」と捉えてしまうと、彼らがいかに西洋を意識し、格闘していたかを見落としてしまうだろう。日本画特有の画材という制約の中で、あえて西洋画的表現に挑む。その無謀とも思える挑戦は、当時の画家たちが「日本画が果たすべき役割」に対して抱いていた、強烈な危機感の表れでもあったはずだ。

かつて、江戸時代までの絵画は掛け軸、屏風、襖絵として、人々の生活空間に溶け込んでいた。しかし、生活様式の変化に伴い、日本画が本来持っていた役割は失われつつある。

部屋を飾る調度品として考えれば、現代では西洋画のみならず、写真やデジタルイラストと同列に扱われる。芸術のジャンル分けそのものが無意味になりつつある時代に、あえて「日本画」として描く意味はどこにあるのか。日本画は常に、時代から難しい課題を突きつけられている。

私個人としては、一つの希望がある。もし明治期の横山大観や菱田春草が現代に蘇ったなら、何を描くだろうか。現代的なテーマを、あのシンプルで大胆な構図、そして鋭い刃物のような感性で切り取った日本画を観てみたい。それがどのような絵なのか想像もできないが・・・

山梨県立美術館は、展示内容が非常に充実している。常設展ではミレーをはじめとするバルビゾン派の傑作を鑑賞でき、今回の企画展に加えて「具象と抽象のあわい」「1980年以降の日本画」といったテーマ展も同時開催されていた。これらを比較しながら観ることで、表現の多様性をより深く楽しむことができる。

天気が良ければ、美術館を囲む広大な芸術の森公園の散策もおすすめだ。静かな環境で、ゆったりと充溢した時間を過ごしたい方には、ぜひ訪れてほしい場所である。

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